CALENDARIO AZTECA

El pueblo azteca daba gran importancia al tiempo, que era registrado en dos calendarios: el de 365 dias, xihuitl, que era el solar y agrícola compuesto por 18 meses de 20 dias, mas cinco dias y la cuenta de los destinos de 260 dias, llamada tonalpohualli, que tenia caracter adivinatorio. Esta divido en 13 meses de 20 dias cada uno. Cada dia tiene un nombre y se combina rotando con un número del 1 al 13, hasta completar los 260 dias 13 x 20=260. Cada dia con su numeral tiene una carga energetica que lo conecta con la fuerza del cosmos, y esta bajo la proteccion de un dios, se relaciona a un rumbo del universo y a un color.

CONVENTO DE CULIPÁN

El Convento de Culipán se ubica en Oaxaca y su construcción fue empezada en el siglo XVI, aunque, debido a los frecuentes sismos que ocurren en el valle de Oaxaca, su construcción fue suspendida tras varios intentos que se llevaron a cabo para finalizar la construcción. Por eso es que el convento hoy en día se encuentra a medias y en ruinas. El convento fue labrado por manos indígenas, en cantera de la región. El propósito de la construcción era de evangelizar a los indígenas de la región, después de la llegada de los españoles a la zona del valle de Oaxaca a mediados del siglo XVI. El templo tiene una fachada de estilo medieval, y tiene planta similar a aquella de las basílicas de tres naves, que son separadas entre sí por las arcadas que estaban destinadas a sostener el techo de la iglesia. Los arcos están labrados con figuras geométricos, similares a las que se pueden apreciar en las ruinas mixtecas de la misma región. También, en el templo se pueden apreciar dos torres con una base circular, en las que se encontraban campanarios del convento. Cada una de estas torres está terminada en una bóveda cónica que está coronada por una cruz. La historia del convento es que funcionó como una prisión para el caudillo Vicente Guerrero, en el año de 1831, así como también fue el lugar donde ese mismo año, el 14 de febrero, fue fusilado.

PLÁTICA CON ORFA ALARCÓN

En la platica con Orfa Alarcón ella nos contó acerca de sus novelas que escribió y las mas destacadas son bitch doll y perra brava, ella usa la palabra “perra” para que llame la atención a los lectores, su publico son todos los géneros pero en especial las chavas entre 13-23 años hablando de la novela bitch doll, y la de perra brava que trata sobre el narcotráfico es mas para la audiencia mayor. Ella tuvo un pequeño problema cuanto empezó su carrera ya que lo primero que le decían todos era que se iba a morir de hambre por que tienes que ser muy buena en la carrera para destacar, otro problema fue que ya cuando vendió sus libros chavas llegaban con ella y le preguntaban que quienes eran los personajes, y la respuesta de ellas era que querían ser como ellas y no es bueno ya que los personajes son narcotraficantes y viven la vida fácil sin trabajo. Ella logro triunfar en este negocio gracias a su personalidad y su deseo a lograr algo en la vida.

LA CREACIÓN DE ADÁN

La “Creación de Adán” es un fresco realizado por Miguel Ángel en la época del renacimiento. Esta obra de arte fue un encargo del papa para la Capilla Sixtina en la ciudad del Vaticano, Italia. Representa cómo el mundo divino tiene contacto con el mundo mortal a través de un toque y como Dios le dio vida a la tierra y a los humanos, es por eso que se llama la creación de Adán. Para analizarlo, usamos la critica del arte. En esta obra se pueden apreciar los tonos opacos y la diferencia de tonos oscuros cargados a la derecha contra los tonos claros cargados del lado izquierdo así creando una línea diagonal que divide ambos lados dando una impresión de tensión entre ambos lados. También se puede distinguir que la proporción de los cuerpos es equitativo y como es en fresco le da la impresión de una textura que no es completamente uniforme. Por ultimo el punto de fuga se identificó en donde los dedos de ambos personajes principales casi tocan haciéndolo también una obra casi simétrica. La interpretación que se le puede dar a la obra es de cómo el creador, en este caso Dios se esforzó por hacer a Adán en la tierra y es por eso que las expresiones de ambos son tan expresivas tanto la del creador con el cansancio y el esfuerzo como la de el creado con la calma y la serenidad. También se puede interpretar la creación del hombre por medio de la religión católica en el arte renacentista. Esta obra es valiosa por lo cual puede ser apoyado más que nada con las teorías del imitacionalismo y el formalismo ya que tiene una organización efectiva a través de los elementos 6 principios del arte y es una representación realista desde el punto de vista Cristiano.

LA DAMA DEL ARMIÑO

Entre los años de 1488 y 1490, Leonardo Da Vinci, artista de la época renacentista, pintó, sobre una tabla con medidas de 55x40 centímetros, “La Dama del Armiño”, que actualmente se ubica en un museo en  Cracovia, Polonia. La mujer que aparece en el cuadro era la amante de un duque en Milán, Italia, llamada Cecilia Gallerani, quien a su vez posa con un armiño entre sus brazos.

En la composición de colores de la obra predominan los tonos oscuros, teniendo el fondo completamente negro y las áreas inferiores en la mujer sombreadas, mientras que mantienes la parte frontal del rostro, así como al armiño mismo, con tonos más claros y blancos. El propósito que tiene el que los colores del cuadro estén distribuidos de esta manera, es que el público preste una mayor atención al rostro de la mujer y a los elementos más importantes del cuadro. Por otro lado, se puede apreciar en el cuadro un mayor uso de colores cálidos o derivados de estos, siendo el café, y sus distintos tonos, el color con mayor presencia en el cuadro, mientras que el único tono que se puede percibir de un color frío es el azul que porta en el hombro de su vestimenta. También se muestran presentes las corrientes artísticas dignas del renacimiento, pues en la pintura vemos la perfección que plasma Da Vinci en la mujer, tras el previo conocimiento de la anatomía humana, idea que era muy común en los cuadros de la época.

Tras haber hecho un análisis crítico de la obra, en base a la metodología artística de la misma, la interpretación de la misma obra puede ser aquella del deseo de su autor, Da Vinci, de plasmar la sencillez de una mujer con una gran belleza lograda a través del manejo de todos los detalles artísticos, dígase el uso de las sombras en conjunción con el estudio de la anatomía humana. Este mismo estilo se puede apreciar en otras obras de Da Vinci, como la “Mona Lisa”, pues las expresiones de los rostros de ambas mujeres, en cada cuadro respectivo, es de serenidad y se muestran relajadas. En esta obra la mujer parece estar distraída y mirando fijamente al horizonte, mientras sostiene un armiño, cumpliendo con las características del estilo típico del renacimiento.

COMPARACIÓN ENTRE "LAMPORECCHIO" Y "LA PIEDAD"

El renacimiento es el periodo histórico en el cual el hombre despertó de vivir en la oscuridad, de manera literaria, fue el momento en la historia en el cual el hombre se cuestionó el por qué de las cosas, por ende, creó nuevas corrientes filosóficas que afectaron la manera de vivir y percibir la vida, así como también afectaron las maneras de crear el arte. La primera de las obras que se pretende analizar es la obra literaria llamada “Lamporecchio” del Decamerón, de Giovanni Boccaccio, escrita en Italia durante los años 1351 a 1353. La segunda obra a analizar es la escultura llamada “La Piedad del Vaticano”, esculpida por Miguel Ángel para la Iglesia Católica entre los años 1498 y 1499. El propósito del texto es comparar ambos textos y relacionarlos con su forma de contribuir a la construcción del concepto de lo “humano” durante el renacimiento.

La obra literaria, “Lamporecchio”, habla de la historia de un muchacho que al irse a trabajar a un convento de monjas cae, junto con las mismas, en la tentación del pecado, teniendo relaciones con todas las monjas del convento de manera secreta. Este presenta los valores y errores del mismo ser humano, relacionando los mismos con la religión, pues toda la historia es desarrollada dentro de un convento al mismo tiempo que los pecados son realizados por las religiosas del mismo. De esta manera, el escrito presenta el concepto de “lo humano” mostrando  los errores y debilidades del hombre aun cuando este se encuentre en situaciones de procedencia religiosa, dando a entender que el hombre es propenso a caer y la religión no puede salvarlo completamente de caer en el pecado, al mismo tiempo que niega la religión como lo más importante de época. “La Piedad del Vaticano” presenta algo similar. Esta escultura muestra la imagen de la virgen María sosteniendo el cuerpo, semidesnudo y muerto, de Jesús cuando este es bajado de la cruz, formando parte de la creación del concepto de “lo humano” a través de la perfección lograda en la obra y el cuerpo poco cubierto de Jesús. Este es otro concepto del Renacimiento, la perfección, mediante el cual Miguel Ángel esculpió los cuerpos de Jesús y María de la manera más realista posible, mostrando los defectos de ambos cuerpos, transmitiendo la tristeza y el dolor en el rostro de maría, así como la delicadez del cuerpo de Jesús y de las telas sobra las que está cubierto y descansa. Así, la escultura muestra “lo humano” a través del cuerpo real del hombre, al mismo tiempo que relaciona a este con ideas de la religión católica, pues, al igual que el “Lamporecchio”, mezcla lo humano con un contexto religioso.

Mediante el análisis de estas obras, se puede observar que el pensamiento durante el Renacimiento se enfoca en lo humano, colocando al hombre, y sus defectos y características realistas, en el centro de las obras, mientras que la religión, aunque sigue formando parte de las ideas y de la vida cotidiana, es dejada a un lado y utilizada únicamente como un apoyo de la idea lo humano. Vemos, así, como ambos artistas proyectan lo bueno o lo malo del hombre, mostrando por un lado su perfección física y por el otro sus errores y debilidades al caer en la tentación. Estas ideas abrieron paso a los conceptos que tenemos hoy en día como lo humano, mostrando, por un lado, lo normal que era el caer en la tentación y como, a diferencia de ser un escándalo, eso debería ser tomado como si fuese un problema común entre la humanidad. También mostraron que el físico del hombre no era siempre perfecto, sino que inclusive el cuerpo de Jesús al bajar de la cruz, muestra los posibles defectos que se encuentran en la vida real en los cuerpos humanos, permitiendo la tolerancia de lo imperfecto, de lo humano.

Ambas obras son de gran importancia para su tiempo, pues mostraron los ideales pretendidos en el Renacimiento de manera pública, ayudando de esta manera a que las corrientes del pensamiento fueran extendidas de mayor forma posible. Se pudo observar como ambas obras presentaron a través de su genero las ideas que se crearon del concepto de “lo humano”, ya sea a través de la descripción escrita de este o la descripción física. Personalmente me causaron gran interés ambas obras, pues, mientras que la historia del Decamerón me causó emoción al estarla leyendo, la escultura de “La Piedad” cautivó mi atención a través del realismo corporal logrado.

COMPARACIÓN DE LA ABADESA ENCINTA CON LA CATEDRAL DE NOTRE DAME

Tras la caída del imperio romano, hacia el siglo V después de Cristo, se da el comienzo a la “era de las tinieblas”, también conocida como la edad media. Esta era que va desde el siglo V hasta el siglo XV fue la etapa en la historia de la humanidad donde se empezaron a forjar las bases para el mundo actual, a través de la revolución de sistemas políticos, o más bien, la creación de tales, así como también el avance que se tuvo en el arte y el gran cambio que presenta el arte medieval en comparación al arte romano, por mencionar un ejemplo. Las dos obras, representantes de los cambios artísticos que ocurrieron durante esta edad media, que fueron elegidas para el desarrollo del texto son el poema escrito por Abel Alarcón y la catedral de Notre Dame, digna del estilo arquitéctonico de la época denomido como “gótico”. El texto en sí pretende responder a la pregunta “¿De qué manera crees que estas obras puedan contribuir en la creación de un concepto de ‘lo humano’?”, de nuevo, haciendo uso como ejemplo de las obras previamente mencionadas.

Iniciando con la obra literaria, el poema titulado “La Abadesa Encinta”, se da pie a la descripción y análisis de ambas obras. El poema de Alarcón, presenta las ideas religiosas que se pretendían en la época medieval, mostrando y revelando al lector la posición religiosa ante el tema controversial de el pecado sexual cometido por la madre superior de un convento. El autor resalta la indignación de parte de todos presentes en el monasterio y en general, la comunidad católica, al enterarse de tal noticia. Por ello a lo largo de todo el poema se le juzga a la monja hasta el punto en el que ella misma se arrepiente de su cometido y ruega a la virgen María por un milagro, el cual le es concedido, y se absuelve así de la culpa que había soportado en su vientre. El poema muestra las ideas de “lo humano” al resaltar los errores que cometemos por naturaleza, es decir, que al plasmar a la abadesa como una mujer, que aunque devota a Dios, es meramente humana y cae presa del pecado al tener relaciones prohibidas, así como la misma inercia existente de en el fondo del ser al momento de acusar y criticar a una persona por sus errores humanos. La siguiente obra artística, representante de los estilos arquitectónicos de la época medieval, es la catedral de Notre Dame. Esta pieza de arquitectura muestra las típicas características presentes en el estilo gótico: a lo largo del exterior de la catedral se muestran columnas que la están sosteniendo, sobre los extremos del techo se postran gárgolas, las columnas tienen bases y más detalles, se adornan las paredes con vitrales, por donde únicamente entra la luz, así como grandes arcos de tipo arábigo, exaltados hasta el techo de la catedral, el cual se logra erguir con el uso de vigas cruzadas. La idea, tanto del estilo gótico, así como de la misma catedral, es la exaltación de Dios por medio de la minimización del hombre, mostrando que “lo humano” es mucho más pequeño que “lo divino”, llevando así los ideales de que muestra el poema de Alarcón al suelo.

Ambas obras portan algo de lo que se consideran ideales de “lo humano”, sin embargo, como se ha visto en los análisis de ambas obras, el poema de Alarcón expone los errores y la esencia de lo humano, mientras que la catedral lo hace pequeño al compararlo con la ‘grandeza’ de Dios. Así, ambas proponen interpretaciones de lo que es humano y sin embargo, difieren en sus percepciones de tal. También cabe resaltar que ambas interpretan al hombre de un punto de vista religioso, dentro de un mismo contexto social en el que la iglesia era la institución más importante que existía entonces. Es ahí donde se ven las distintas características que se esperaban, o se creían ideales, del hombre en aquel entonces: por un lado, la humildad de este ante Dios, así como la aceptación de la culpa y los errores cometidos por uno mismo.





Respondiendo a la pregunta inicial, estas obras logran crear un concepto de lo humano a través de exponer sus errores y lugar en comparación con Dios. Aunque ambos tratan con el tema relativo a “lo humano”, dentro del contexto religioso de la edad media, presentan distintas maneras y percepciones para crear lo humano, puesto que uno habla y proyecta a través de la poesía la esencia del ser humano, mostrando sus debilidades y errores, mientras que el otro proyecta “lo humano” al compararlo con la gloria de Dios. Habiendo analizado lo anterior, se puede deducir que estas obras fueron utilizadas por las autoridades eclesiásticas de la época para mostrar la público lo que en realidad era el humano, tanto de manera individual como con su lugar en el universo, así como también se puede concluir que ambas utilizan lo religioso para crear el concepto de “lo humano” en tiempos de la edad media.

LA CATEDRAL GÓTICA EN RELACIÓN CON LA BELLEZA

La Catedral Gótica sigue siendo uno de los grandes triunfos artísticos de la edad media por su hermosa construcción que fue creada en el siglo XII y la perfeccionaron en el siglo XIII. La primera catedral gótica fue hecha en abadía de Saint-Denis cerca de parís que fue inspirada en Suger quien fue el famoso abad del monasterio que ejerció ese cargo de 1122 a 1151. Esta catedral tenía diferentes combinaciones de bóvedas acanaladas y de los arcos punteados fueron remplazados por bóvedas cilíndricas que eran de las iglesias románticas y por eso fue permitido a los constructores hacer estas iglesias muy altas todavía mas que sus contrapartes románticas. Utilizaron muchos tipos de arcos punteados y bóvedas que crearon muchas sensaciones como la del movimiento ascendente la cual implica la energía de dios. Con el tiempo las catedrales fueron evolucionando y la empezaron a construir con pilares de piedra muy arqueado que se construía fuera de los muros, contenían todo el peso de la iglesia de manera correcta.

La catedral gótica sobresale por los rasgos únicos que tiene por ejemplo las pequeñas piezas de vidrio que se teñían con brillantes colores como joyas. Estos pequeños detalles cambiaban todo el panorama, gracias a estas pequeñas joyas toda la iluminación cambiaba, fue ejecutada por gente inspirada que creía en que la luz natural era un símbolo de la divina luz de Dios. Una frase que me gustaría compartir es la siguiente: “La luz es invisible, pero permite a la gente ver; de esta misma forma, dios es invisible, pero su existencia permito que el mundo material exista. La catedral gótica también se basaban en razones matemáticas y los constructores creían que se derivaban de la escuela antigua griega de Pitágoras y que expresaban la armonía intrínseca del mundo tal y como la estableció su creador.

El tiempo y espacio influyen de muchas maneras en el artista que la creo, el tiempo influye mucho en el artista, el artista tiene que saber como crear una catedral debido al tiempo en que vive o quiere que sea reconocida, es muy importante el tiempo por que te basas en una edad que representa a la catedral y tiene que estar muy bien formada para que la sociedad se de cuenta y que sienta lo que la catedral esta dando a sentir en ese tiempo. El espacio influye mucho por que la localización debe de estar en donde la gente crea en las catedrales y que les tenga respeto.

Yo veo una relación con la belleza hablando de la catedral gótica, una de las razones por que la belleza se relaciona es por la manera en que se construyen, la manera detallada que crean estas catedrales y todo el desempeño que le ponen para que la catedral sea bella y para que la gente la aprecie.

ARTE GÓTICO

Música

En cuanto a la música, el arte gótico se manifestó a través de los cantos gregorianos, los cuales eran cantos que se introdujeron a la iglesia en el siglo a fines del siglo VI, por el papa Gregorio I. Estos eran utilizados a lo largo de toda la misa y tenían la característica de sonar muy monótonos, pues eran plegarias en latín cantadas por un grupo de voces masculinas a cappella. 

Arquitectura

En el área de arquitectura, se crearon las catedrales góticas, con el propósito de darle una grandeza a Dios al compararlo con el pequeño tamaño del hombre. Las características de estas catedrales era que tenían una gran altura, tenían luminosidad gracias a muchos vitrales que a su vez proyectaban imágenes bíblicas, los arcos eran apuntados, bóvedas cruzadas y pilares baquetonados.

LA CATEDRAL DE NOTRE DAME EN RELACIÓN CON EL TRABAJO

Descripción

La catedral de Notre Dame es una Iglesia ubicada en Paris, Francia. La catedral esta dedicada a la Virgen María. Es una de las más antiguas que han existido de la Edad Media del estilo Gótico. Notre Dame esta situada frente al Río Sena que pasa por todo París y esta rodeada de jardines bellos. Esta obra de la Edad Media se relaciona con el trabajo por el esfuerzo y la dedicación que han tenido para lograr este majestuoso proyecto, La catedral tarda casi dos siglos en ser terminada. Fue basada por el Obispo Frances Maurice de Sully.


Análisis

El trabajo que se hace para lograr esta obra es impresionante, por que no solo tardaron casi dos siglos, sino la catedral tuvo remodelaciones donde a base de esfuerzo y trabajo lograron acabarla. Gran parte de la catedral fue destruida durante la Revolución Francesa en 1793. La remodelación la empezaron los arquitectos Jean-Baptiste-Antoine Lassus y Eugène Viollet-le-Duc y duró 23 años. La catedral tiene un sistema de soportes y contrafuertes que reparten el peso de la bóveda. Muchos de sus muros están cubiertos con vidrieras. También hay unas gárgolas las cuales son usadas para expulsar el agua que queda en el techo y espantar a los espíritus malos. El trabajo que se realizo por quienes la construyen es impresionante ya que en esos tiempos no tenían tecnología como la que se tiene hoy en día.


Interpretación

Esta obra de la Edad Media ha tenido y sigue teniendo gran importancia en la historia del arte. Algunos hechos históricos de la catedral son la primera piedra puesta por el Obispo Maurice de Sully en el año de 1163 y terminan con ella en el año de 1258. La arquitectura Gótica que pasa por dos etapas. La primera donde se construye la catedral, al mismo tiempo donde se encuentran otras catedrales francesas. La segunda donde entran las vidrieras. También la coronación de Henry Vl de Inglaterra y la coronación de Napoleón en 1804, también el Papa Juan Pablo ll da una misa.

VISITA A MARCO: OSCAR MUÑOZ

 Al llegar al museo MARCO, fuimos a la segunda planta a observar una exposición de las obras del artista colombiano, Oscar Muñoz, y se escogió a analizar la obra llamada "Intervalos (mientras respiro)", del año 2004. Se escogió la obra debido a que fue la que más nos llamó la atención, esto a causa del color que tiene y la técnica con la que fue hecha. A lo largo de toda la exposición se presenciaron características artísticas específicas de la fotografía en blanco y negro, entre otros elementos propios de la misma. Para el análisis convendría simplemente hacer una crítica artística acerca de la obra seleccionada, pues no se refleja algún factor histórico con suficiente importancia, o valor, que esté afectando la metodología o percepción de la obra.

La obra presenta seis distintas laminas de papel con impresiones, que se asemejan a los tonos blancos y negros que se capturarían con una cámara, de la cara de un hombre fumando en distintas posiciones. El método fue logrado a través de pequeños puntos quemados por todo el papel, para así, dependiendo del grosor del punto quemado, se crearan distintas percepciones de sombras para se pudiese recrear la cara del hombre. Los elementos artísticos presentes son, principalmente, los tonos blancos y negros, o en otros términos, las sombras que se crean a través del contraste entre lo oscuro y lo claro, para de esa manera lograr aparte una profundidad dentro de lo que se proyecta. Por ello, el color únicamente presenta colores cafés (oscuros) y blancos (claros). En cuanto a los objetos dentro del espacio, se puede observar como la cabeza del hombre representa la figura con mayor peso dentro de los seis paneles de la obra, mientras que su mano y el cigarro le siguen, siendo apenas figuras menores a la cabeza y puestas en un lado inferior de la obra. Estos son los elementos que se encontraron al realizar el análisis de la obra de Muñoz. Como se pudo observar, la obra permanece en los elementos más simples del arte, sin embargo, produce un interés en el espectador al saber que la metodología con la cual se llevo a cabo fue una poco común y bastante fascinante. Lo que expresa la obra es lo que indica el título, intervalos al respirar, expresando así que se trata de un momento suspendido en el tiempo, sin mucho valor emocional, como a su vez, una serenidad de los elementos del momento mientras el hombre simplemente fuma. Es así como Muñoz logra captar la esencia de algún momento en tan solo seis cuadros.

Link a la página del artista: http://www.banrepcultural.org/oscar-munoz/index.html